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柒零捌零:未来之梦

策划:陈书娣 编辑:黄利粉 陈晶晶
2014.09.17
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  • 法国当地时间8月31日,“未来之梦——杨佴旻水墨画展”圆满落幕,此次展览从7月5日开始,近两个月的时间,展览了杨佴旻先生20余年包括绘画和雕塑在内的作品。“这是一次回顾展,展示的是我从传统绘画到现在的一个发展历程。”

  • 杨佴旻出生于河北曲阳的一个工匠家庭,深受传统艺术的熏陶。他12岁开始就跟随老师临摹《芥子园画谱》,这是他系统接受传统中国画技法训练的开端。在他看来,对绘画技法的探索是艺术创新很重要的途径,“我不限制我的题材,我希望用我的技法,去尝试各种风格的绘画。”

  • 在法国的“未来之梦”水墨画展是对他个人创作经历的一次回顾,甚至包含了他十几岁时的画作,有传统的山水画,仕女图等。之所以将这些或许并不成熟的作品列入展览的一部分,主要是考虑到“东西方绘画艺术的差异”。本幅为《安德鲁博士》,46X134 cm,纸本设色,1997年作。

  • 他们曾担心欧洲人不太熟悉水墨画,所以希望用“回顾展”的形式让他们看到自己绘画思想的转变与技法逐渐成熟的过程。不过画展开始之后他就发现这种担心是多余的。本幅为《厨房》,纸本设色,121×182cm,1998作。

  • “他们非常喜欢,觉得这是一种不同于油画、版画或者水彩的另外一种艺术形式,他们觉得这很美。”这种担忧只是因为缺少交流,“很多人感觉这是一种新发现,发现了东方一种不一样的绘画。”本幅为《蓝天》,69×67cm,1999年作,纸本设色。

  • “未来之梦”名称的由来源于一个展示英国百年艺术进程的展览“走向当代”,作为一个水墨画家,他自然地就考虑到东方绘画从传统走向当代的过程。他的画展在向欧洲人展示这个过程的同时,也寄托了让中国绘画走向世界的梦想。本幅为《红苹果》,纸本设色,46X53cm,1999年作。

  • “笔墨当随时代”是他常挂在口头的话,这句话最早是石涛说的,三百余年,至今仍然是艺术家应遵循的创作原则。其实从他开始进行一种自觉的艺术创作的时候,他就在思考艺术的创新。本幅为《晨光》,纸本设色,150X116cm,2001年作。

  • 经历了一个漫长的摸索的过程之后,他对传统绘画的用色提出了疑问:绘画是一种视觉艺术,为什么要用单一的色彩去表现这样一个七彩的世界呢?本幅为《红叶》,纸本设色,69×68cm,2001年作。

  • “在某一个时间,我突然觉得我要还原我们绘画的色彩。”他曾提到一个小故事对他的触动:一位卖菜的老大爷听说他是画国画的时候,摇了摇头说“我喜欢油画,鲜艳,好看!”本幅为《山》,纸本设色,66×69cm,2001年作。

  • 或许中国传统的水墨画承载了传统文人的审美情趣,然而时代在发展,人们的审美观念亦有很大的变化,他希望水墨画能够拨开历史的尘封,追随这个时代。本幅为《小芳 》,纸本设色,40X32.5cm,2002年作。

  • 一方水土养一方人,在艺术家杨佴旻眼中,一方水土孕育一方艺术。东方的水墨绘画与西方的油画相比,它带有禅宗的意味,带有让人身心安静平和的力量。西方的油画粘稠浓密,要画在比较硬的材质上,而中国的水墨画所用的生宣,它的柔和正如东方人的内敛。

  • 杨佴旻先生从1993年赴日开始,二十余年,不断行走在世界各地,从日本到美国,再到欧洲,不同的艺术风格影响着他的同时,他也在思考如何让中国传统的水墨画影响世界。本幅为《花与果》,纸本设色,69×67cm,2010年作。

  • “我不懂乐理,但是我会觉得一些音乐好听,它能够触及我的灵魂。我觉得这就是‘懂了’。”绘画也是如此,不需要累赘的解读,它只需要人用眼睛欣赏,用心感受。在西方办画展时,一位美国老太太看完他的画都哭了,说能够从他的作品中看到“禅意”,这或许是对他的画最高的赞美。

  • 展览策划人、法国国家人类博物馆克里斯托夫博士对她的这次展览给予高度评价:“杨佴旻的艺术贯通了在世界行走过程中的点点滴滴,以非凡的表达力,创造性的融和了东西方绘画,根植于中国,融汇西方,成功地跨越了东西方文化的鸿沟”。

  • “本次展览向法国观者呈现的是当代的中国绘画,使法国艺术家和艺术爱好者对杨佴旻艺术得到了深入了解,重新认识并发现了新的东方,领略了新水墨画与西方绘画的差异与共性。”本幅为《春色满园》,纸本设色,138x69cm,2012年作。

  • 杨佴旻先生除了绘画,他还尝试了多种艺术形式的创作,包括雕塑,诗歌创作和行为艺术等。无论哪种形式,都只是艺术表达的一种可能性。任何一种材料的创作都有它的局限性,有时候绘画无法到达的领域可能需要诗歌来延伸。诗集《诗77首》收录了他创作的诗歌。

  • 诗人杨炼评他的诗给人的感觉是“玲珑剔透的漂亮”,正如“听一棵翡翠树上的红乌鸦”,那些鲜明的色彩刺激着读者的视觉,而在这绚丽之下,蕴含着的是“返璞归真”的意味。本幅为《太行深处》,纸本设色,69X69cm,2013。

  • 黑暗从西边升起/遮住了我的太阳/大地上飘零的金黄色/源自你的心脏。(《我经过了天堂》2010.10)
    另一个神/在蓝月亮升起时走在了黑龙江上/大片大片嫩的黄色/天堂边/有一条红烈焰跳跃着流淌。(《另一个神》2011.04)

  • 提到行为艺术,必不可免的就会想到他的《脸》系列。今年4月,在扬州瘦西湖,作为“2014国际诗人瘦西湖虹桥修禊”项目的一部分,他选取了古今中外的21位诗人和自己的脸,制作了一万张“脸”,从而在扬州展现了“万人一面”的壮观景象。

  • 也有很多人在解读这“一万张脸”背后的涵义,但是杨佴旻先生坦言:“这个艺术行为让更多的人关注到这个诗歌活动,而对我来说,作为一个视觉艺术家,让人们感受到一种震撼,这就够了。至于其他的,就看他们自己如何感知了。”

  • 本幅为艺术家杨佴旻先生本人和他的品牌LOGO。

  • 从稚龄时期临摹《芥子园画谱》到如今不惑之年成为新水墨画界的创新者,杨佴旻人生的一大半时间都在绘画。从水墨黑白到花青藤黄,传统的国画颜料在他的画笔之下展现出新的美感。

    在传统与现代的交锋过程中,有人试图挥剑斩情丝,摆脱五千年的情感羁绊迈步向前,还有些人惧怕变革,他们怀念曾经的辉煌,在先祖的规矩中寻找重返盛世的曲径。中国的绘画艺术陷入了一个怪圈,在向前与退后之间摇摆不定。正因此,中国现在缺少一种“艺术的标准”,这让艺术家的创作变得困惑。

    东方与西方的绘画有着完全不同的神韵,西方绘画注重技法,东方则是重意象的表现,是一种抽象的艺术,“三五步走遍天下,七八人百万雄兵”,是东方艺术独特的魅力。然而,“笔墨当随时代”,传统的水墨画已然式微,要另寻途径,就要进行艺术创新。他并不反对创新,“没有任何人会反对艺术创新”。

    人们常用“探索”来确立他的作品在水墨画史上的地位,在挪威的一个关于东方绘画的会议上,有人以他的作品为例:“在水墨画里面,画了一千年单色的绘画,现在画出了色彩,在某一时间,这会成为一种浪潮。”

    在他看来,他的画仍然是水墨画,或可称之为“新水墨”,但是他并未游离于中国画的精神之外。他自幼习传统水墨,习惯了宣纸的柔、毛笔的软,习惯了与水混合的颜料在宣纸上不可控的一点点晕染的过程,“这是艺术的秉性”,所以他借鉴了西方的绘画技法,却仍然用东方的笔墨画着东方的禅意。

    信息时代,这个世界从形式上感受到的是高度的共性,如何在高度共性的当代艺术中凸显个性,是他一直思考的问题。“如果放弃个性,艺术也就没有了价值。”
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