中国人系列:割肉 打酒 买麻花Ⅱ

策划:陈书娣 编辑:陈咏欣 产品:张吕川
2014.05.28
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  • 邹涛于1984年出生在沈阳,2009年从鲁迅美术学院毕业,这是他毕业后的第一个正式个展。“割肉、打酒、买麻花”是他的展名,也是当地农村在过去待客的高规格,从东北“那旮沓”传到北京,他用自己做足了画面感与充满市井气息的作品,招待着欣赏他作品的观众。本幅为《酸梅与冰雹》,150X120cm,2013。

  • 邹涛是西洋画出身的,他在近期的作品里融合了中国画中的笔法,出现了许多更活泼的线条,与早期的作品既一脉相承了造型上的独特,更多了许多色彩与活力。邹涛的画从来没有原型,心里面有了感觉就开始想象画面,一笔一笔不断颠覆又再创造。本幅为《羊油与孜然》,150x120cm,2014。

  • 邹涛来自于一个工人家庭,那些高大的机器在他看来几乎是一种制度与条框的象征,从来不得他的欢心。于是,从小除了画画他几乎都坐不住,整日地往外跑。后来国企改革,大批下岗工人使小区里环境变得复杂起来,原本不同意他学画的父母为了留住他便也同意了,“成绩上不去净打狼了,这玩意儿让他画吧”,邹涛这么转述。本幅为《面包与猪肉》,120X100cm,2013。

  • 他画画是从小就开始的。他妈妈说4、5岁就自己画点小涂鸦,真正开始学是小学二年级在学校开始的兴趣班里,“要是学画画下午就不用上课”的那种,他说。那时的老师是他同学的父亲,教了一年以后兴趣小组就原地解散了,邹涛就继续自己瞎画瞎琢磨,到小学五年级他进了沈阳铁西文化馆正式学习西洋素描。本幅为《酵母与饼》,150X120cm,2013。

  • 邹涛强调小时候的视觉符号对人的一生都有着影响,那个时代的视觉图像信息还很匮乏,他渴望着图像的出现,“逮住什么就看什么”,经常把报纸上的东西剪下来制成自己的小画册。童年时候对他影响最深的是各种漫画,经常蹲在学校附近的书摊边看盗版的,一元钱、一下午,“今天能画画,还得感谢西藏人民出版社”,他说。本幅为《臭虫与肉汤》,150x120cm,2014。

  • 初中时候的他疯狂地喜欢梵高,那时梵高的画册一本要70块钱,对年幼的邹涛来说是一个天价。买不起他就自己骑车去看,从家里到书店一个小时,一看就是一下午。受着梵高的影响,他那时的画笔触疯狂,色彩强烈,老师说“这个东西上大学的时候会表扬你,考前还是要中规中矩地来”,但他不认同。本幅为《肉与骨》,150X120cm,2013。

  • 后来他考鲁迅美术学院,用两年考上,依然延续着他画里的自由与疯狂。他的好友刘光光说真正开始注意邹涛就是因为新生展上他一幅改编玛格丽特的画,依然是红色窗帘与破碎的景物,却多了一个用手捂着头站在窗边的毛主席。“他作品里的那种幽默感,很简单但是很直接的打动了我”,刘光光如是说。本幅为《箱子人》,90x60cm,2009。

  • 邹涛说当初喜欢画画时因为成绩不好,画画可以证明你还有用。而进入鲁迅美术学院则是一种至高无上的憧憬。“美院标榜是学美术最高的学府,你就得往牛的地方去”,他说。在那里他学习到了更多的技巧,那里面的艺术氛围是别处不能提供的。但他还是不喜欢美院:“体制化的东西太折磨人,啥事都管着挺遭罪的。” 本幅为《孤独的人》,80X60cm,2009。

  • 他不是个能够忍受约束的人,看他画里面的变形,那些天马行空的想象,唯有放松与放达之下才能达到。这些天马行空又不是脱离现实的,若细看,反而发现他的每一幅画都来自于生活的细节。邹涛说他喜欢市集,喜欢乡土的东西,他的画看着怪诞不羁,仿佛他的作者有着最叛逆的精神,他却其实是最接地气的一个画家。本幅为《箱子先生》,60X50cm,2009。

  • 鲁迅美术学院毕业后,很多同学北下京城,来到这个艺术家最多的地方寻觅机会,他却坚持留在了东北。“北京乱糟糟的,毕竟你在一个城市出生、生长,亲朋好友都在这儿,就有安全感。毕业变成待业青年,突然好像一个人在这儿孤军作战,不像以前了,心里还是有点害怕的。”他说。本幅为《人与被子》,80.5X60.5cm,2012。

  • 于是他在自己最熟悉的地方,每个周末去去逛二手市集,收藏旧的家具、玩具,还有80年代、70年代更早的怀旧的东西。在这里他也看见了形形色色的人:退休的老人、没有工作的人、一些捡废品的人等,大多数都是平民。在市集里他不知不觉地在观察、在汲取营养,这些后来都化成了他作品的主题。本幅为《一条咸肉》,80.5X60.5cm,2012。

  • “食物、疾病、穷困、贪婪、信仰”,这几年他都围绕着这些在创作。但他从来不直接把现实生活中的元素直接用到画里:“你可以在里面吸收养分,但不要完整地表现生活,那还不如去拍电影或者纪录片来得更纯粹。”因此他执着于变形的利用,男性的生殖器变成了意气昂扬的boss,面目全非的骷髅揽着食物一路高歌。本幅为《树》,90X40cm,2013。

  • 他的画往往到最后就与刚开始的草稿面目全非,因此他也说不清每一幅画的意义,只是随着心随着笔意,画到最后觉得合适的状态。那种黑色幽默或许是他的本性,因为他的画看着那样浑然天成,在你还没看懂画意之时已经失声笑出。本幅为《大胃王》,118X68cm,2013。

  • 毕业两年以后,惯用西洋画法的他也开始对中国画感兴趣。他以前不懂国画,觉得没有力量,后来才懂国画的力量都在那线条之中,也尝试把那种蕴含情绪的急速书写运用进了自己的画里。“巴洛克的绘画用圆润动感肉欲的东西表现整个画面,跟中国的圆润苍劲都是一脉相承的”,他发现这种过渡并没有想象中那么困难。本幅为《吃青蛙的邮差》,49X49cm,2013。

  • 2012年以后,他的画里有了更多活着的线条,《民国画家》《庄子与骷髅》是他早期尝试中国画画法的作品,后来渐渐复杂,他用这种流畅的线条画出前所未有的骷髅,画面也变得丰富,横飘的彩带上写着字,是欧洲老式插画的绘法。展览现场的一边是他的早期作品,一边是最近的作品,根本看不出是同一人所画。本幅为《一根老油条》,100x80cm,2014。

  • 邹涛很喜欢这种感觉。他说画画跟东北乱炖也很像,“你喜欢吃什么就往里面放点什么,在一个锅里煮一煮”,如果一早就坚持一个风格,反而会把创作的激情浇灭。他有许多喜欢的画家,但现在的邹涛对于视觉图像越来越谨慎,因为一不小心就会拿到画里来。他把自己定位为人像画家,但从来没有画过群像,这就是他展览后的下一个目标。本幅为《创造》,100x80cm,2014。

  • 关于艺术家的追求邹涛有自己的理解。他说艺术家最大的敌人就是自己,最危险的东西就是把自己限定在一个位置里。艺术家应该对自己的艺术有一个完整的追求,不应被其他事情分心,比如徐悲鸿放弃自己的艺术追求回国做了教育者,把国画强硬西化;或名气大了以后在应酬中失去表达的自由。本幅为《米酒与柿子饼》,绘于2013年。

  • 《造粪机》是邹涛最早期的作品系列之一,把人的身体化成机器,他说:“人类身体就像无休止运行的机器,贪婪地吞食着一切可以吞食的,生产着一切可以生产的。无论怎样总有一些丑恶的部分,这些问题就像是大粪,人们讨厌它却无法回避它。”而那些规整冰冷得与他后来作品扯不上关系的机器,灵感就来自于他成长的东北工厂。

  • 邹涛的《自画像研究》。他说人不可能借助外力看到真正的自己,而你可能会在某一种情景下接触早永远触摸不及的自己,自画像最好的体现就是可以冷静的审视具体的你。

  • 邹涛本人在画室,他的大画都会在白天完成,而晚上则循着感觉画一些小画。只有在自己满意的画上他才会签上自己的名字,他说他的签名是一个躺着的自己。

  • 邹涛成长在一个工人家庭,却有一种“土卡拉”里面生的感觉,对于土地有着难以言表的热爱与情感。读乡土文学,收集旧的家具、玩具,一切土里土气的东西对他都有着特别的吸引力,但他从来不把这些拿到画里来。把自己喜欢的东西直接拿到画里,他说这是一种可耻的抄袭。

    他的画从来没有原型,不画特定场景,不画特定的人,心里面有了感觉就开始想象画面,一笔一笔不断颠覆又再创造。造型是他的一种迷恋,他说自己是“审丑一点的的状态”,唯美的画面似乎与他并不搭配。很多时候他说不出画里的意义,只能确定画面达到了自己的直觉想要的状态。

    对于80后、90后画家,很多评论认为他们是“卡通的一代”,绚丽的画面、夸张的造型,画面中有着一种压不下去的浮躁。邹涛极不认同这个说法:“拿50后、60后的观念去评价最新一代艺术家的作品无法深刻。”如果要迎合这种观念就像是一种造假,“假深刻对一个真诚的艺术家多么可耻。”

    认知的程度就是画面表现的程度,认真做一件艺术品就是深刻,正是这些真诚反应画家心理状态的作品代表着新一代艺术家的价值,邹涛如此认为。他尤其强调画画中真与创造的问题,正如他在学画时否定为考试而收敛笔触的做法:“人在某个年纪做某件事情,过了那个阶段就没有那种才情。”

    如今的邹涛还是充满创作的激情,这几年他在市集的观察与想象终于成就了这些飞扬着的骨骼与变了形的人物。它们乖巧地陈列在画廊的墙上,昂首展示着这几年它们作者的变化。邹涛说艺术家与观众之间一定是有距离的,他只期望人们可以在画廊里安静地看,也不用向别人用语言表达,那样就够了。

    邹涛在这些画里用荒诞与黑色幽默表现的悲伤、孤独、怜悯、乖张或迷茫,在那些跌倒的人、喝醉的人身上。他说观众看画的时候是冲动的,那样的理解或许能更贴近这些画。展览于2014年5月10日至6月3日在北京798艺术区卓越艺术空间举行。本策划由腾讯文化独家发布,转载请注明出处。

  • 邹涛用变形的人物与黑色幽默的荒诞画出现代中国人的盲目、贪婪、寂寞与迷茫。

  • 上世纪30年代,梁思成带领营造学社成员测绘了两百多处古建,留下珍贵手绘图。

  • 民国画家王悦之用一只画笔画下那个时代对战争与殖民的痛恨及回归祖国的渴望。

  • 11张图

    VOL.18 看台湾

    台湾艺术家郭维国与陆先铭一个画自己、一个画城市,从两个角度来观察台湾。

  • 旅美艺术家赵刚用西方现代艺术的手法画中国历史题材,探索自由与体制的关系。

  • 艺术家邱昕把用拆迁废弃的材料作画,无声胜有声地抗议“拆呢”China。

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    VOL.14 美人图

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    VOL.13 生存

    “AAC”评出的年度艺术家们作品里描绘的现代中国人生存新景观。

  • 诗人马莉为中国当代诗人造像,怀念了一个耀目的黄金诗歌时代。

  • 诗人马莉的中国当代诗人肖像画,色彩明烈,意象大胆,是对诗人的另类刻画。

  • 艺术家吴大伟用线条利落、用色清新的雕塑创造出一个和谐的世界。

  • 诗人马莉凭着对诗歌的独特触觉及对诗人朋友的了解,描绘出中国当代诗人肖像。

  • 艺术家吴大伟用他朴素、干净的雕塑,刻画出中国青年安静思考的空灵姿态。

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    VOL.7 新人类

    新锐艺术家利用卡通化、生活化的表达,描绘他出们对现代都市生活的感觉。

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    VOL.6 新人类

    新锐艺术家利用大胆的想象与华丽的色彩,探索中国现代人的生存状态。

  • 中国当代女性艺术家运用大胆创新的手法描绘心中的中国景与中国情。

  • 中国当代女性艺术家们利用各种形式的艺术展现她们眼中的中国世代。

  • 14张图

    VOL.3 繁衍

    喻红是中国当代著名的油画家,在她的作品里描绘着她心中的中国人。

  • 艺术家蔡广斌以现代人使用手机自拍为灵感,与水墨结合创作了新式中国人画像。

  • 艺术家卜烨运用她充满想象力的画作,以儿童为灵感创作出独特的中国人画像。